artistes > ceramique / sculpture

« Les figures sculptées de Fabienne Auzolle, qui émergent du chaos de la matière, sont des femmes fleuries, des têtes écloses au milieu des pétales, des visages en guise de pistils, ou des figures entourées de coquillages et d'anémones de mer. Dans un fol éventail de formes végétales, ce sont des femmes revêtues de robes en ailes de papillons, des muses ornées de diamants ou d'éclairs de soleil. [.] Elle crée des visages sereins, à l'expression délicate et lointaine, aux sourires mystérieux, aux yeux clos, tournés vers le ciel, vers le soleil. Comme des héliotropes. Sont-ce alors des fées, des madones, des divinités païennes, des anges, des vierges, des limoniades, des nymphes ou des orantes ? »

Anne Egger

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Catherine Arzberger a choisi le Raku et les cuissons dites « primitives » car ces techniques connotent le passé lointain des cultures ancestrales tout en permettant l'expression des sensibilités les plus contemporaines par la violence de leurs matières brutes et la spontanéité de leur pratique. C'est cette double appartenance au passé et au présent immédiat qui lui permet d'exprimer au mieux son univers personnel.

Le Raku sert cet univers imaginaire parce qu'il accuse la présence des marques du Temps : usure, craquelures, déchirures, fractures, autant d'« accidents techniques » propres au Raku, certes, mais aussi autant de marques d'une perception intime du Monde.

Le Raku, de plus, avec ses effets de matière spécifiques, favorise l'association des contraires : la grossièreté brute de la terre sablée contraste avec la douceur soyeuse de la peau de l'émail. Catherine Arzberger démultiplie ce jeu des contraires à tous les niveaux : le plein et le vide, le masculin et le féminin, la sérénité et la tourmente, l'éclatement anarchique des couleurs et la retenue des plages calligraphiées. Ces contrastes se retrouvent ainsi associés dans une nostalgie d'harmonie, un rêve de résolution des antagonismes.

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Gabrielle Baëcile pratique une réécriture de tout ce qui a lieu au monde de la vie organique. Elle triture la terre, taquine les reliefs. Elle provoque les craquelures, aime les rendus rugueux et les aspects spongiformes. Concrétions, strates, structures alvéolaires, rugosités … L’ordre de construction et d’organisation du naturel est la trame de son travail pour créer des pièces aux résonances multiples. Elle travaille uniquement par estampage une terre réfractaire soit blanche, soit noire ou qu’elle teinte avec des oxydes naturels.

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Née en 1983. Travaille dans son propre atelier depuis 2006.

Fascinée par l’art primitif et les pièces polies anciennes, de l’art précolombien à l’art africain, Manon Berthellot aime la simplicité des courbes, des couleurs et des lignes. Elle s’imprègne des petits gestes qui mènent à la création car le geste génère la forme et, à son tour, la forme génère le geste. Elle développe sa sensibilité dans une relation intime avec la terre ; elle glane des terres dans des carrières au fil de ses balades et on les retrouve dans des formes rondes polies ou sigillées, toujours modelées à la main. La nature est partout, dans les lignes qui racontent des histoires, traçant des chemins d’eau, d’algues ou de fumées, dans les formes au balancement arrondi, évoquant des univers à la fois marin et minéral.

Ses formes coquillages - dont les ouvertures sont comme des yeux - laissent entrevoir un monde mystérieux et secret, tout à la fois contenu et contenant, vide ou plein d’histoires, selon la volonté de celui qui l’accueillera.

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Virginie Besengez se nourrit des paysages urbains qui l’entourent, de l’architecture des pays du Nord et de l’esthétique austère des natures mortes flamandes. Elle aime la terre nue, les compositions monochromes. Elle façonne ses pièces et les accumule selon un plan imaginaire, pour des installations toujours en quête d’équilibre. Elle est très sensible aux objets du quotidien, au rapport physique que nous entretenons avec eux, à leur usure. Elle aime la confrontation entre l’apparence d’une pièce solide, qui appartient à l’imaginaire collectif, et la fragilité de l’argile.

Née à Lille en 1968. Travaille dans son propre atelier depuis 2001. Enseigne à l’École d’Art de Douai.

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Plus qu’une ambition de créer des formes signifiantes, la démarche de Robert Chardel est avant tout une prospection des possibilités de l’expressivité d’un matériau – l’argile – en fonction de ses modes de transformation : façonnage par modelage et cuisson selon une technique particulière, le Raku. Le résultat est celui d’un dialogue vécu avec la terre dans la première phase, et avec le feu dans son action sur la terre et les additifs ensuite. Cette transmutation de matière l’aide à comprendre ses propres situations, réflexions, états d’âme ; il se laisse guider par cet échange, se tenant prêt à saisir les aléas, à figer des états remarquables.

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« Mes pièces en granit transposées en verre mettent en évidence une quatrième dimension, un espace qui s'ouvre dans la forme. Cet espace insuffle une nouvelle vie à la sculpture. Celui-ci devient l'intérieur de l'être ou le vide du cosmos. Des sculptures pour donner de la place à la rêverie et à l'inconscient du spectateur. (...) Je m'intéresse aux points de rencontres entre les différentes organisations de la matière et de la vie qu'elles soient minérales, végétales, animales, microscopiques, macroscopiques, vibratoires, magnétiques, énergétiques. J'y cherche un sens commun (...) Des sculptures, où la construction rigoureuse et la recherche intuitive des sujets ne font qu'un !»

Yannick Connan

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Catherine Crozon aime modeler la terre en combinant souvent plusieurs techniques. Les formes naissent au fil du travail, pièces fermées construites sur le vide ou « contenants » qui n’ont pas vocation à être utilitaires mais la relient aux formes premières de la céramique.

Pages blanches polies, elle les recouvre de terre sigillée, argile raffinée qui deviendra revêtement doux, subtil, sensible aux variations du feu. Elle grave aussi parfois cet épiderme. Elle n’intitule pas ses pièces ; à chacun de les explorer du regard ou de la main, de les rêver. Comme leur base mouvante, leur identité oscille au fil des jours, une vague devient aile, voile, cime …, une graine, cocon, chrysalide, nid …, un oiseau, embarcation, linceul … À travers ses pièces, elle cherche à transmettre l’émotion d’une terre vivante et mystérieuse.

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Après avoir quitté son Angleterre natale et voyagé quelques années, Alistair Danhieux a posé ses bagages en France et s'est passionné pour la céramique. Son sens de l'observation et son intérêt pour le graphisme lui ont permis de devenir en peu de temps un spécialiste du Raku Nu. Inspiré au départ par les créations des céramistes David Roberts et Ashraf Hanna, ses recherches portent sur les contrastes matière-couleur, ainsi que sur le graphisme des lignes et du décor. Ainsi apparaît sur ses pièces une certaine minéralité souvent associée à l’illusion de profondeur et de relief. Ultérieurement, il adopte une autre technique, la cuisson en gazette, qui produit sur ses pièces des paysages proches de l’abstraction lyrique d’un Zao Wou-Ki.

Né en 1975 à Crewe (Angleterre). Vit et travaille dans la Nièvre.

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Des formes et des volumes simples nécessitent une finition exigeante pour dégager dynamisme et puissance. L'œil du spectateur ne doit pas être happé par un détail mais considérer la sculpture dans son ensemble et lire un volume esthétique, un mouvement juste et tendu qui traduit la force du matériau et restitue l’émotion. Souvent doubles, les pièces de Charlotte Falcini font référence aux rapports humains, elles fonctionnent/tiennent parce qu’ensemble. En plus d’être deux éléments complices accolés, elles sont un tout, un ensemble, un troisième élément à part entière.

L’espace et les contrastes entre ces deux éléments mettent en exergue tous leurs points de contact, leurs complémentarités, leurs similitudes et donc leurs différences. C’est l’équilibre.

Née en 1977 à Paris. Vit et travaille à Saint Genis Laval.

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Depuis 1992, Claire Galopin travaille l’argile. La forme pour la forme ne l’intéresse pas. C’est l’esprit de la forme et l’esprit de la matière qui lui importent. Son travail actuel est marqué par son dernier voyage en Côte d’Ivoire avec cette présence si forte des arbres dont on voit les racines. Elle tente de faire revivre ces entrelacs, ces nœuds, ces écorces dans les parois de ses sculptures en argile. La notion de contenant est présente dans ses œuvres pour l’idée de générosité qui en découle. Elle y crée des ouvertures pour laisser communiquer l’intérieur avec l’extérieur, attachée à ce va-et-vient entre donner et recevoir. La terre, qu’elle modèle de manière traditionnelle aux colombins ou à la plaque, lui permet de construire et de retrouver l’énergie vitale qui relie l’homme à la nature.

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Les personnages et les animaux de Joëlle Gervais nous entraînent dans le monde de l’enfance, plein de jeux et de rêves. Mais l’ambiguïté est omniprésente : on ressent le dénuement de ces enfants, l’ombre d’une tristesse dans leurs yeux. Le spectateur est touché, un œil rit, l’autre pleure.

Céramiste depuis 20 ans, expose son travail depuis 10 ans.

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Marie-Rose Gutleben a une passion pour les « cailloux », les beaux « cailloux », ceux qui portent en eux le souvenir, la mémoire, une trace, une cicatrice, une fracture, une faille qui – à ses yeux - les rendent précieux.

Ses pièces sont travaillées dans la masse, puis  « saupoudrées » de touches précieuses grâce à l’émaillage et/ou à des morceaux de verre. Ainsi, la terre noire revêt un aspect humide et ruisselant comme un rocher brillant après la pluie.

Abstraite, tout en matière, brute, couleur terre avec quelques soupçons d’émaux, sa sculpture raconte les énergies subtiles du minéral et du végétal, de l’essence même de la nature.

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« Le travail de Marie-Noëlle Leppens se concentre depuis quelques années sur l’esthétique et le symbolisme d’outils anciens sinon primitifs, qui ont accompagné l’homme au cours de son évolution technologique. C’est la beauté et la pureté formelle de ces objets, communs mais souvent inaperçus ou dédaignés car liés à l’artisanat, qui ont interpellé la céramiste. […]

Les sculptures créées par Marie-Noëlle Leppens, grès engobés de porcelaine, grès enfumés, grès blancs, grès et cristal, revisitent et transposent l’économie formelle, les matières des antiques instruments, dans un langage personnel et contemporain. »

Françoise-Hélène Brou (extrait in « Scènes Magazine » sept. 2009)

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« Il arrive au promeneur, qui découvre les avenues d'une ville et les ensembles architecturaux qui la composent, d'accéder à une forme de contemplation apaisée, une sorte d'ascèse du regard. Le travail de Danielle Lescot, attaché aux formes les plus élémentaires, à des volumes mis à nu, à l'examen attentif d'un plan d'occupation de l'espace, peut également y conduire. Si sa démarche est picturale, soucieuse de concentrer la couleur dans des espaces délimités, on devine qu'une de ses préoccupations est d'ordre architectural, qu'elle définit l'ouvre plastique comme une forme d'architecture. Elle passe par la construction, par l'appréciation du volume, par la ligne. »

Bruno Charenton

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« Ce sont des litanies de petits personnages réduits aux lignes essentielles ; à la fois se côtoyant, têtes minuscules aux traits à peine existants, au-dessus de corps massifs ; bras collés au corps et jambes dissimulées sous leurs longues tuniques/peaux ; mais chacun constituant une entité différente de la suivante […] sans hiatus, pourtant, comme si, au fond, cette multitude ne constituait qu'une seule et même histoire.

Souvent, ces longues robes sont laissées brutes par l'artiste. Pas de fioritures, seulement les nuances aléatoires de la terre soumise au feu. Mais, d'autres fois – et il en va de même lorsqu'elle décide queses personnages seront presque grandeur nature -, elle s'attarde longuement sur le vêtement, scarifiant, piquetant, caressant, enchaînant courbes et contrecourbes, recouvrant le tout d'engobes vitreux […].

Ainsi, de saga familiale en rappels culturo-dramatico-historico-politiques, Elisabeth Le Rétif crée-t-elle une œuvre très psychologique et tendre, paradoxalement vivante et statique, amusante et grave, massive et protéiforme, pleine d'humour, et émouvante toujours. »

Jeanine Rivais

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« Dans l’œuvre de María Oriza l’accent est mis sur l’élégance des formes, les ailes de la matière, le vol qui commence et nous entraîne. Sa céramique aboutit à des formes naturelles et élémentaires qui se plient avec une géométrie et une élasticité très originales. Dans tous les travaux, on retrouve les mêmes constantes : le riche traitement des surfaces, un design très personnel curviligne, chromatique et textural. […] Le pli est la base de son travail céramique. Le pli - le pli naturel et l’idée par conséquent de déplier -, l’origine de la configuration des cavités - sein maternel, grotte et niche -, des constructions concaves, et aussi des formes ondulées évoquant l’envol. Cette idée basique de dédoublement fait que beaucoup d’œuvres exigent une double lecture : contempler l’intérieur et l’extérieur, le dessus et le dessous. »

José Miranda, extrait du texte pour le catalogue de l'exposition
« Céramiques espagnoles pour le XXIème siècle »

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Après quatre années passées aux Beaux-Arts de Tournai (Belgique) auprès du sculpteur Emile Desmet, Corinne Simon travaille seule dans son atelier d’Englefontaine depuis 2003. Elle y réalise des pièces uniques en grès, façonnées à la plaque, aux colombins et parfois au tour. Les craquelures de ses créations apparaissent sous l’effet d’une manipulation particulière de la terre qui consiste à l’étirer tout en la desséchant. Les principales sources d’inspiration de Corinne Simon sont la nature, les autres cultures et tout simplement son quotidien. Ses pièces attirent le regard, font naître des émotions, elles instaurent un dialogue entre elles et avec le spectateur.

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À ce jour, une sculpture est très souvent posée sur un meuble, sujette aux poussières du temps. Mathias Souverbie a voulu rompre le non mouvement en proposant un objet doté d’autres caractéristiques et possédant une vie intrinsèque. Son objectif est de créer un lien physique, confortant le simple regard, qui susciterait une émotion, pourvu que celle-ci soit changeante à l’instar de nos vies toujours en mouvement … sans oublier le passage par l’équilibre immobile. Son support de prédilection est l’air, cette masse formidablement dense et pourtant transparente. En somme, il tente de sublimer la mécanique des fluides.

Né en 1982 en région parisienne ; vit et travaille dans la Drôme.

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Le travail de Laure Sulger-Libessart est centré sur la peau des choses, l'enveloppe et ce qui se passe à l'intérieur. Ses pièces ont plusieurs niveaux de lecture ; toutefois, elle essaie toujours d'aller au plus simple, de raconter une seule chose à la fois mais dans sa globalité, comme une note de musique qu'on laisse s'évanouir pour pouvoir entendre toutes celles qui la composent.

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Né en 1955 à Spézet, Chañ-Klaod Talek vit et travaille à Saint Hernin dans le Finistère. Il enseigne les arts plastiques et le chant traditionnel en Centre-Bretagne.

« D’abord, au long des sentiers humides entre champs et talus, dans des endroits secrets, cachés des Montagnes Noires, puis dans son atelier, Chañ-Klaod Talek entreprend le travail qui vise à métamorphoser les vibrations végétales en fibres musicales, à transmuter la matière en instruments-éléments, en instruments-fleurs, en instruments-oiseaux. »

C. Trémédet

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« C’est le volume qui intéresse Sandrine Tonnelier. Un volume contenu dans les lignes qu’il semble pousser de l’intérieur. Une fente de grotte, le puits d’un rond sont les seuls accès à ce lieu noir, ce vide interne où l’on pressent que quelque chose - mais quoi ? – respire, enfle, anime de son soupir le mouvement visible en surface. Impénétrable, l’ouverture laisse notre curiosité insatisfaite sur le seuil, obligeant l’imagination à s’y glisser secrètement. Au-dehors, c’est le soleil et la raison soulignés par les jeux d’or de graphismes géométriques. »

Pascale Nobécourt

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Née dans les Cévennes, nourrie de fromages de chèvre, de livres et de tissage, il eut été difficile pour Ingrid Van Munster de choisir un métier qui ne soit pétri de liberté et d'exigence. La céramique représente pour elle des souhaits esthétiques soumis à des contraintes techniques, le réajustement permanent de l'un à l'autre : les mains jouissent pendant que le front se plisse. Aujourd'hui elle est quelque part sur la route, entourée de boules tournées, déformées, déchirées sur lesquelles elle teste des émaux satinés ou rugueux.

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Très sensible à l’art, à la matière et à la couleur, Françoise Viloing découvre le matériau terre en 1985. Après ce coup de foudre, la terre est devenue une passion. Françoise Viloing aime penser et dessiner la forme de ses pièces, travailler, étirer, déchirer cette terre et y laisser l’empreinte de ses gestes, la colorer et, enfin, la transformer par la cuisson. De nombreux voyages et de longs séjours à l’étranger l’ont enrichie et lui ont permis de remettre très souvent son travail en question, de l’épurer et d’aller à l’essentiel tout en privilégiant le geste.

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Petra Wolf, amoureuse de l’argile, a décidé de lui consacrer sa vie. Dès le lever, avant de prendre son petit-déjeuner, elle plonge ses mains dans la terre. C’est une communion avec la matière qui va lancer sa journée. Elle travaille de gros blocs de terre. Le résultat de ce travail spirituel et physique à la fois sont des objets habités par la lumière et le mouvement. Son imagination est débordante et elle a encore tellement d’idées qu’elle pense que 200 ans ne suffiront pas à réaliser tous ses projets.

Née en 1957. A son atelier de céramique depuis 1987.

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