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« La peinture de Berg raconte cette solitude de l'être, cet appel vers les autres mais ne viole pas le secret que chacun porte en soi, celui qu'on ne peut pas partager car enraciné en soi. C'est pourquoi la brume, c'est pourquoi le sfumato, la densité de la couleur, cette fragilité et ce silence. C'est pourquoi aussi l'intensité, la profondeur, ce regard du tableau sur nous, son invitation, cet échange. [.] Berg invite dans son silence à méditer sur l'objet, sur soi, sur l'autre. Elle touche au cour de nos existences. »

Isaure Pélissier

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« La couleur et la coulure sont les sujets de la peinture de Corine Bluel. La couleur, extraite de sa valeur décorative et symbolique, devient à la fois sujet et moyen, forme et contenu, image et expérience chromatique. La coulure, geste simple et économe, qui ne demande qu'à être maîtrisée ou libérée, se combine avec la couleur engendrant un champ spatial rythmique. Avant tout, ce qui motive Corine Bluel, c'est le processus, le phénomène propre à la création. « Rien avant. Rien après. Tout en faisant. » comme le dit Degottex.

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« Si la peinture d’Éric Bourguignon ne renonce pas à la composition, elle privilégie souvent l’empreinte à la forme, comme dans les peintures pariétales de Lascaux, traces tangibles de la genèse de l’art que l’artiste eut le rare privilège de découvrir et qui l’ont bouleversé. Dans ses Bacchanales, les corps nus dansant ou lascivement installés dans un bachique Déjeuner sur l’herbe sont à peine ébauchés, évoquant ces empreintes d’une première humanité. Le peintre les compare aussi à ces photographies floutées que notre mémoire rétinienne conserve quelques secondes après avoir entraperçu ou croisé une silhouette. Constituée de contrastes entre des aplats fluides brossés dans une gestuelle ample et des reliefs apportés par petites touches avec une matière rugueuse et minérale, sa peinture brouille souvent la frontière entre les éléments, ciel, terre, eau, végétal, laissant le spectateur libre de ses interprétations et de ses rêveries. Une œuvre qui puise à des sources profondes, vivante et sans cesse changeante, à l’instar de ces ciels d’Île de France, toujours en mouvement et dont la lumière éclaire l’atelier de l’artiste. »

Catherine Rigollet (mars 2012)

Vit et travaille dans les Yvelines.

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Liliane Camier travaille sur et avec la couleur. C’est le moteur de sa recherche. Poser la couleur sur la toile ouvre deux voies : l’expression de la matière ou de la forme, voire les deux ensemble. La geste picturale se retrouve dans l’abrupt des façades, l’à-pic des rocs dressés, l’étendue colorée, la matière lisse ou foisonnante. Sensations, sentiments, mémoire s’expriment, se révèlent dans le champ pictural où se joue l’interaction du descriptif et de la métaphore.

Sensuelles, joyeuses, les peintures de Liliane Camier révèlent une transformation, voire une libération de l’imaginaire.

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Fernando Cometto est un artiste peintre argentin multidisciplinaire : peinture, peinture, peinture ... La peinture dans toute son envergure, son épaisseur, sa franchise. Des espaces remplis de matières, de couches et de récits ; des volumes construits de mots, de sens et d'histoires. Fernando rêve et entasse : de l'huile, de la gaze, de la cire d'abeille et encore de l'huile. Il mitraille ses toiles, gratte, griffe, contourne, dessine des apparences ludiques chargées de stigmates et noyées sous des couches épaisses de couleurs vives. Entrez dans ce cosmos d'émotions où le vide n'a pas sa place, où les directions sont diverses et l'imaginaire immense.

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« Il semble que Costiou ait cette faculté rare de capter directement l’électricité du mouvement, de l'œil à la main qui dépose, trajet direct d'une invisibilité prenant forme.  Costiou travaille pour l'éternité, et ses dessins sont un admirable fondu enchaîné chorégraphique du temps qui danse, un moyen qu'a précisément l'éternité de veiller sur nous. »

Jean-Marc Adolphe, Directeur de la revue Mouvement

« Tel le porteur de lanterne magique qui jadis allait de foire en foire captiver la foule des évocations tremblotantes de son théâtre de papier, Costiou court les spectacles collectifs : fêtes de la tradition, cirque ou music-hall, arts de la scène et de la rue. Les feuilles de ses carnets se peuplent en quelques instants de foules de silhouettes endiablées, et l'on retrouve en les contemplant la fascination du badaud devant lequel le montreur d'ombres, derrière l'écran opaque de son petit théâtre, faisait s'agiter des épopées. »

Philippe Le Stum, Conservateur du musée départemental Breton

Né à Überlingen en Allemagne, vit et travaille à Paris.

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« Son abstraction calligraphique manifeste une variété d’écritures et de couleurs. Son art du pinceau et de l’encre touche l’origine unique de la calligraphie et de la peinture. Autrement dit, son monde artistique pénètre l’âme de l’Extrême-Orient dans lequel la poésie, la calligraphie et la peinture sont unifiées. »

Lasok Son, directeur de la galerie Mulpa Space et philosophe

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« Qu’il peigne des portraits, des nus ou des paysages, la lumière irradie toute l’œuvre de Jérôme Delépine. L’artiste, pleinement au cœur de ses compositions, fait passer un souffle subtil ; une mystérieuse clarté traverse la toile, sublime les chairs, réinvente les illuminations et les lueurs soufrées des batailles, des teintes en gris-bleu de l’orage sur une mer démontée surgit un "Bateau ivre"… Par le jeu subtil des contrastes, le sujet magnifié, nimbé d’un halo, sort de l’ombre. Une autre image apparaît alors, chargée de mystère et de douceur. " La toile n’est autre qu’un miroir inventé dans lequel je me cherche. De toute façon, je ne sais pas ce que c’est que de voir la réalité ", explique le peintre. Derrière ces phrases pudiques se cache une maladie qui a quasiment privé l’artiste de la vue. Transcender la souffrance d’être pour accéder à la liberté, telle pourrait être la définition de la création artistique. C’est en tout cas le chemin qu’a choisi Jérôme Delépine. »

Armelle Bajard, revue Cimaise

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« Les rapports de l’homme au monde est ce qui hante l’œuvre de Bernadette Delrieu dont la démarche artistique part du visible, s’ancre profondément dans le voir, dans le sentir, dans le toucher, dans toutes les expériences sensorielles de la réalité, dans l’émerveillement participatif de tout le corps au monde dans lequel il baigne. Mais, en même temps qu’il apparaît grâce aux sensations, le monde nous échappe, se dérobe. L’art est cette perpétuelle poursuite de ses apparences fugitives, éphémères. […] Le paysage est privilégié non pas parce qu’il offre des réponses toutes faites mais parce qu’il pose le plus grand nombre de questions. En ce sens, ce n’est pas le paysage stricto sensu qui intéresse Bernardette Delrieu mais ce qu’elle appelle l’au-delà du paysage, une interrogation quasi-philosophique sur notre être-au-monde. »

Christian Limousin

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Née à Pirmasens, vit à Düren (Allemagne). Formation à l’Académie des Beaux-Arts de Düren. A suivi plusieurs enseignements en dessin et en peinture à Cologne ainsi qu’à l’Académie Européenne des Beaux-Arts de Trèves. Expose régulièrement depuis 1997, principalement en Allemagne.

Pour Uschi Dettmeier, chaque tableau possède un rythme et une mélodie et chaque musique éveille en elle des émotions.

Depuis quelques années, elle a mis un nom sur cette particularité : il s’agit de la synesthésie. Ce mot vient du grec syn (union) et aesthesis (sensation) ; c’est une condition neurologique par laquelle deux ou plusieurs sens sont associés. Chez Uschi Dettmeier, nous avons affaire à une synesthésie couleur/oreille bidirectionnelle qui se manifeste dans ses tableaux.

Dans ses peintures, on ressent les affrontements intérieurs que vit l’artiste : ordre et désordre, gaîté et tristesse, révolte et soumission, calme et chaos. Peindre est pour elle un acte vital pour amener ses ennemis intérieurs sinon à faire la paix, au moins à se supporter.

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« Dans les tableaux d'Hervé Duval, des formes humaines semblent traverser les couches picturales, venir de derrière la peinture pour remonter à la surface et s'y incarner. Jeu d'apparition-disparition au cours duquel la forme est occultée par recouvrement, puis réapparaît dans une réalité nouvelle, révélée par diverses techniques, telles que ponçage, grattage, lessivage. Alliant hasard et maîtrise, Hervé Duval cherche à explorer les terres inconnues au plus intime de lui-même. »

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Né en 1960 à Concarneau. Vit et travaille à Quimper.

Loïc Frenay dit de sa peinture : « J’aime profondément ce qui est facile, rapide. C’est une peinture de l’instant, une peinture physique, faite pour agir et tester la qualité et la solidité d’un matériau. C’est en même temps une peinture du geste. Je n’aime pas l’idée de souffrir, de faire des efforts. Il faut que ça aille vite, que ça vienne immédiatement. Tout est contenu, synthétique, ramassé. Je peins dans une confusion de sentiments. Les peintures ne peuvent pas tout dire du cheminement de ce qui s’est passé ; seules des traces et quelques indices subsistent. C’est le geste qui est le patron de l’intellect. Les décisions sont rapides, elles m’échappent. C’est précisément dans ce moment de tension absolue, d’oubli, quand le geste n’est plus commandé que se situe le moment de création, d’abandon. »

« L'exercice de ma propre liberté, l'affranchissement relatif aux théories, à l'histoire de l'art et à mes propres répétitions, se manifestent par un travail sincères, solitaire et intériorisé, loin des bruits du monde. Je travaille non pas dans la vision du travail achevé, mais dans la conjonction d'une gamme, d'un rythme, d'une écriture, de l'alliance de matériaux, dont le résultat est toujours une surprise et un désir de renouvellement. Je pourrais peindre quoi qu'il advienne, partout, avec tout ce qui se présenterait, pourvu que je puisse laisser place à l'expression de ce qu'il y a de meilleur en moi. »

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« François Glineur est de cette espèce de peintre qui ne se satisfait pas d’une jolie image, il s’en méfierait plutôt, la jugeant, si elle est trop élégante et séduisante, un peu facile.

Même dans sa manière de procéder dans le recouvrement de la toile, il pose cette notion de dialectique, de composition où des termes s’affrontent, que cela soit la peinture ou la ligne serpentine du dessin, le fond ou la surface. Mêmes les personnages jouent l’imbrication dans une lutte corps à corps où personne ne gagne. Tout s’équilibre finalement dans le résultat. La tension est à ce prix et gouverne l’espace pictural. »

Marie-Claire Sellier

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« Une symphonie tonale et chaude qui tourne le dos à la figuration, puisée dans la gamme des différents rouges et des bleus, dans la profusion des couleurs et la juxtaposition des formes. [.]Géométrie où domine la ligne qui, tantôt sépare et tantôt harmonise, avec ses déformations, ses contrôles, ses pulsions, ses enroulements réfléchis, ses jaillissements spontanés. Rythme architectural d'une composition, résonance vibrante de certaines figures en prismes triangulaires ; reflets d'une image que d'autres reflets cachent, transforment ou encore, avivent. »

Corinne Amar, journaliste

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« Ses créations récentes du petit au grand format sont toutes les histoires vertigineuses d’un songe éveillé qui est le moteur même de Janula. Oui, il existe une manière, une syntaxe, une palette Januala, mais elles sont sans cesse en mouvement. Quand je regarde une toile des années 80 et un collage récent, je vois toujours un Janula, mais sous un de ses multiples visages. On dirait que la reconnaissance et la notoriété retrouvées dans son pays d’origine, devenu la République Tchèque, ont donné à l’artiste encore plus de maîtrise, s’il se peut, dans son art protéiforme. »

Jean Orizet

Né le 24 mars 1932 à Lysá nad Labem en Tchécoslovaquie. Vit en France depuis 1968.

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« Des corps aux formes imprécises, sommaires, des corps essentiels qui surgissent dans un espace imparfait, toujours sans repères. Une matière riche en textures, à la fois fond et forme, espace et êtres. Eric Jégat crée des espaces de vie, vibrants comme une peau : la peinture se transforme en un corps fertile capable d'engendrer d'autres corps... Les personnages ne sont pas immobiles : leur mouvement est celui d'un déplacement, du fond incertain de la toile vers la certitude visuelle du spectateur. Autrement dit, leur mouvement consiste à naître de la matière et à exister. Etre, être là pour le regard de l'autre, une évidence picturale qui nous touche au plus profond parce qu'elle réveille en nous des sensations abruptes, parfois violentes, des cris qui trouvent cependant l'apaisement dans la contemplation : l’œuvre agit comme un miroir universel en nous renvoyant l'image de nous tous. C'est dans l'évocation de cette ressemblance, de cette communion de sentiments qu’Eric Jégat renoue avec un humanisme que la société semble avoir parfois oublié. »»

Alessandra Cola

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La technique picturale de Jean-Louis Magnet consiste à traiter chaque carré de papier comme s’il s’agissait d’un tableau indépendant. Ensuite, marouflé sur la toile, il devient fragment d’un ensemble plus vaste, qui lui-même peut être vu comme le fragment d’un autre ensemble plus vaste encore. Dans la série des « Hanami », hymne à la complexité du monde, à sa richesse et à son foisonnement, chacun des tableaux est à lire comme un fragment épars et infime d’un tableau infini. Chacun de ces fragments de papier peut aussi être vu comme le témoignage, la trace d’un moment de la journée, la lumière d’une saison. Cet aspect temporel est accentué par le contraste entre une facture gestuelle et la coupure nette entre chaque carré, montrant un geste stoppé en pleine course, au sommet de son énergie, et qui permet de créer un effet de moment suspendu. Enfin, le jeu qui s’opère d’un carré à l’autre avec les différents plans, jeu accentué parfois par l’absence de certains carrés, entraîne l’œil dans un espace complexe dans lequel le spectateur devient acteur.

Né le 11 avril 1967 à Cusset (Allier).

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Né en 1973 à Saint-Brieuc. Etudes de photographie à Rennes. Depuis 2004, membre du collectif « Pa- ».

Dès l’adolescence, Pascal Oriac pratique la peinture et la sculpture en s’inspirant des oeuvres de Dali et de Giacometti.

Aujourd’hui, il admire le travail de Pierre Soulages et de Zao Wou-Ki. Il utilise son propre matériel et élabore ses propres techniques. Ses gestes sont rythmés par des musiques contemporaines (Pierre Boulez, Steve Reich, John Cage et Murcof). Une grande capacité de concentration lui permet de déployer toute son énergie dans chaque oeuvre. Ainsi, il accomplit sa peinture à la façon de la calligraphie chinoise, guidé par la recherche de la beauté visuelle et de l’émotion.

« Je travaille exclusivement la gouache sur papier. Ce qui me permet d'abuser des dilutions à l'eau et des grattages. J'accumule des dizaines de tentatives de compositions par couches, pour installer dans ma peinture une sorte de jubilation mystérieuse. Si elle ne vient pas, il me faut alors retirer la matière peinte comme un archéologue. L'exercice se renouvelle autant de fois que cela est nécessaire. »

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« François Pagé cultive ses jardins comme un poète matiériste savant, usant de l'enseignement passéiste au profit d'une conscience avant-gardiste. Les formes parfois oblongues, parfois circonvolues, qu'il dépose sur ses toiles coulent de source et les couleurs arpentent des allures de météores incandescentes croisant le fer avec la douceur de nues diaphanes gonflées de songes, offrant ainsi au regard une poétique ornementale et une dialectique des sens. »

Virginie Gauthier

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« Cinq ans », « 365 jours et nuits », « Saisons, zone tempérée », « Douze mois », « Le temps du vert » ...

Au commencement, il y a le temps : le temps qui passe et que l'homme s'est employé à diviser en heures en jours en années ; le temps qui divise l'espace du tableau en une trame serrée dans laquelle s'inscrit le cycle des saisons matérialisées par la couleur, les renflements de la surface. Les tableaux de Lise Prévot nous fascinent car ils ne ressemblent à rien de ce que nous connaissons. Les renflements de la surface du tableau évoquent les périodes de gestation de la nature et nous renvoient à l’éternel féminin. Le vert devient une évidence et l’artiste pousse sa recherche jusqu’au bout de cette couleur. Devons-nous déflorer le sujet et parler de sa technique très personnelle ?

Elle utilise un support en polystyrène marouflé avec du papier journal et de la colle vinylique, construit ses formes à partir de journaux et de magazines, dessine chaque page à la pointe sèche qu’elle déchire ensuite par tension, la peint des deux côtés à l’acrylique mat. Ensuite, elle assemble les formes et utilise pinceaux et bombes pour appliquer la couleur finale.

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Quand il écrit sur la peinture, le peintre aime parler d’autre chose. Un beau matin de février, il est parti sur une petite île de l’Archipel des Glénan. Il y est resté assez longtemps pour commencer à voir. Il aime répéter aux vents cette phrase de Paul Eluard : « Voir, c’est comprendre ». En fait, ce séjour hivernal dura 23 jours. Durant ces 23 jours, il ne fit que regarder. Quand il fut rentré, il se mit à peindre ce qu’il n’avait pas vu.

Né en 1965 à Brest. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Nantes. Vit et travaille actuellement à Quimper.

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A exposé ses œuvres pour la première fois à l’âge de 16 ans. A soutenu une thèse en histoire de l’art en 1975. Travaille dans son atelier de Florence depuis 1989.

« Dans ses œuvres on perçoit une gestualité qui n’est jamais ample mais qui se manifeste dans la répétition du signe, dans l’écriture qui se concentre autour de petits gestes. Ceux-ci ne participent pas à la figure mais témoignent d’une maîtrise du dessin et d’une capacité à créer une vibration sur la surface de la toile qui devient ensuite la substance véritable du tableau. C’est la peinture qui donne un rythme aux mouvements browniens de la pensée, c’est elle qui matérialise sous forme de gestes et de couleurs l’aspiration vers l’infini et vers l’indéterminé qui sous-tend l’art de Giovanna Rasario. »

Valerio Dehò

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« L’artiste semble proposer de nouvelles chartes sémantiques, résultat d’une déstructuration et d’une reconstruction, avec le but de mettre dans l’oeuvre de nouvelles possibilités signifiantes. L’imprévu est à la base du procédé adopté par l’artiste, soit par le procédé utilisé pour la réalisation, soit pour la perception de l’oeuvre par le public. […] Nathan Sinai Rayman recherche dans son imaginaire, dans sa vie quotidienne et dans la culture populaire, les instruments, les images et les formes qui, par le langage pictural, offrent un certain imprévu, remettant ainsi en question  le côté solennel de l’oeuvre d’art. »

Francesca Chiacchio, critique d’art

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« Entretenant un rapport particulier avec la nature, les propositions d’Anna-Maija Rissanen montrent une approche renouvelée de l’observation sur le vif dans laquelle s’expriment les contrastes entre la géologie sismique et l’écriture intérieure. Cette vision est traduite de façon très poétique et avec une rare sensibilité qui se concrétise dans de grands formats sur toile faisant preuve d’une maîtrise technique rare pour une artiste de cette génération. Tout en finesse et en retenue, les paysages, autant réels que mentaux, absorbent le spectateur par leur dimension et la valeur méditative qui s’en dégage. Sa peinture est une synthèse réussie entre systèmes de représentation orientaux et occidentaux dont l’élégance confine à une esthétique très personnelle et très prometteuse. »

Marc Partouche, Historien d’art et Directeur de l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles

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Né le 28 juin 1956 à Rennes. Etudes aux Beaux-Arts de Rennes de 1976 à 1981 (peinture gravure). S’installe à Paris en 1982 où il enseigne les Arts Plastiques. Nombreuses expositions collectives depuis 1988 et personnelles depuis 1994. Vit à Montreuil depuis juillet 2000. Grand Prix AZART au Salon de Lyon en 2007

« Rien n’est simple dans la peinture de notre artiste. Tout remonte à la surface. Ses nus, ses personnages, ses paysages ont l’authenticité des fantasmes, et son écriture n’est pas celle que l’on peut décrypter, elle vient de plus loin. Probablement du plus profond de son être. Ses formes violentes sont souvent d’une beauté dévastatrice. Certains de ses paysages bousculent notre regard. Quand on croit avoir pénétré le secret d’une pareille imagination, on se rend vite compte qu’on a été dupe. »

Gérard Gamand, AZART

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Dans notre époque actuelle, faite d’incertitudes et de changements, Ana Vernia exprime dans son œuvre la solitude, l’angoisse, l’organicité et le primitivisme de l’être humain, usé par la société, qui commence à se regarder d’une autre manière. Ana Vernia qualifie son style d’expressionisme organico-figuratif. « C’est comme si on plongeait dans un autre monde. Les figures s’immergent dans le rouge, une sorte de magma, et peuvent ainsi transformer leur apparence », dit Sybille Mazzotta.

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Les ouvres de Véronique Wirth témoignent d'une énergie créatrice qui s'exprime dans le graphisme rapide et incisif du dessin et plus abstraitement dans les peintures où des paysages semblent surgir de l'entrelacs des griffures, des empreintes, des traces superposées qui envahissent la toile. Elle travaille également le métal et réalise des sculptures monumentales.

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