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« Caroline est profondément, viscéralement devrions-nous écrire, peintre. Elle vibre d’une ardente envie de retranscrire la nature, les courants d’air, le chant des oiseaux par les notes de la couleur. Ici tout est bonheur, grâce et légèreté. Il suffit de se laisser emporter par son « pinceau saltimbanque ». Il n’est pas fréquent de trouver une telle maîtrise de la couleur chez une aussi jeune artiste. Croyez-nous, il faut habituellement des années et des années de travail pour réussir ce qui paraît simple à l’œil. […] Ses élans colorés ne refusent aucune jouissance picturale pour un superbe ballet chromatique qui ravit les yeux et les sens. Avec une franche et joyeuse liberté, l’artiste sort des routines sclérosantes pour nous offrir de somptueuses échappées poétiques. Un voyage aérien avec une agréable sensation de fraîcheur fugitive. »

Gérard Gamand

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Vit et travaille dans les Yvelines.

Les peintures d’Éric Bourguignon nous transportent dans un monde entre le réel et l’imaginaire où la nature est omniprésente. Parfois, des personnages semblent y célébrer des rituels, souvent ce sont les éléments de cette nature qui prennent des apparences humaines. Le mouvement est toujours de la partie, ce qui rend l’œuvre de ce peintre extrêmement vivante.

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« Dans l'œuvre de Jean-Marc Brunet, l'alchimie des couleurs, des mots, des rythmes participe à une quête harmonique proche du jazz. Ce sont aussi des sonates. Quelques effusions de notations fugaces, que le peintre tente, en un corps à corps de maîtriser. Pour Octavio Paz : "toute œuvre d'art est une possibilité permanente de métamorphose, offerte à tous les hommes." L'espoir de toutes les possibilités, sur la toile, équivaut aux chemins de traverse que propose l'existence. La métamorphose récente dans l'œuvre de Jean-Marc Brunet trahit la transfiguration du ressenti. Le passage de l'abstraction "pure" à une réalité transfigurée. Elle l'a conduit vers ses lumières. Promesse de l'aube et d'une nature qui s'apprête à renaître, d'un orage qui évoque la colère, la violence du refus chère aux êtres qui traversent cette terre le poing serré, avec pour seul objectif de ne jamais se trahir.

C'est aussi la lumière de Tanger, d'ici ou d'ailleurs. Peu importe. Ses nœuds chromatiques, béances célestes, prennent place dans des vibrations colorées qui exercent des forces contraires. Elles sont invitation au voyage. Invitation baudelairienne à "aller aimer à loisir, aimer et mourir …vers ces soleils mouillés, ces ciels brouillés." Dans les cieux de Jean-Marc Brunet, nous sommes invités à nous réjouir de la beauté du monde, au cœur du temps. Le bonheur de vivre, de peindre, se fait substance picturale, la peinture "parle à l'âme en secret". »

Carla van der Rohe

Né en 1970, vit et travaille à Chassemy, France. Expose depuis 1990 en France et à l’étranger.

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Liliane Camier travaille sur et avec la couleur. C’est le moteur de sa recherche. Poser la couleur sur la toile ouvre deux voies : l’expression de la matière ou de la forme, voire les deux ensemble. La geste picturale se retrouve dans l’abrupt des façades, l’à-pic des rocs dressés, l’étendue colorée, la matière lisse ou foisonnante. Sensations, sentiments, mémoire s’expriment, se révèlent dans le champ pictural où se joue l’interaction du descriptif et de la métaphore.

Sensuelles, joyeuses, les peintures de Liliane Camier révèlent une transformation, voire une libération de l’imaginaire.

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Fernando Cometto est un artiste peintre argentin multidisciplinaire : peinture, peinture, peinture … La peinture dans toute son envergure, son épaisseur, sa franchise. Des espaces remplis de matières, de couches et de récits ; des volumes construits de mots, de sens et d'histoires. Fernando rêve et entasse : de l'huile, de la gaze, de la cire d'abeille et encore de l'huile. Il mitraille ses toiles, gratte, griffe, contourne, dessine des apparences ludiques chargées de stigmates et noyées sous des couches épaisses de couleurs vives. Entrez dans ce cosmos d'émotions où le vide n'a pas sa place, où les directions sont diverses et l'imaginaire immense.

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« Il semble que Costiou ait cette faculté rare de capter directement l’électricité du mouvement, de l'œil à la main qui dépose, trajet direct d'une invisibilité prenant forme.  Costiou travaille pour l'éternité, et ses dessins sont un admirable fondu enchaîné chorégraphique du temps qui danse, un moyen qu'a précisément l'éternité de veiller sur nous. »

Jean-Marc Adolphe, Directeur de la revue Mouvement

« Tel le porteur de lanterne magique qui jadis allait de foire en foire captiver la foule des évocations tremblotantes de son théâtre de papier, Costiou court les spectacles collectifs : fêtes de la tradition, cirque ou music-hall, arts de la scène et de la rue. Les feuilles de ses carnets se peuplent en quelques instants de foules de silhouettes endiablées, et l'on retrouve en les contemplant la fascination du badaud devant lequel le montreur d'ombres, derrière l'écran opaque de son petit théâtre, faisait s'agiter des épopées. »

Philippe Le Stum, Conservateur du musée départemental Breton

Né à Überlingen en Allemagne, vit et travaille à Paris.

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« Qu’il peigne des portraits, des nus ou des paysages, la lumière irradie toute l’œuvre de Jérôme Delépine. L’artiste, pleinement au cœur de ses compositions, fait passer un souffle subtil ; une mystérieuse clarté traverse la toile, sublime les chairs, réinvente les illuminations et les lueurs soufrées des batailles, des teintes en gris-bleu de l’orage sur une mer démontée surgit un "Bateau ivre"… Par le jeu subtil des contrastes, le sujet magnifié, nimbé d’un halo, sort de l’ombre. Une autre image apparaît alors, chargée de mystère et de douceur. " La toile n’est autre qu’un miroir inventé dans lequel je me cherche. De toute façon, je ne sais pas ce que c’est que de voir la réalité ", explique le peintre. Derrière ces phrases pudiques se cache une maladie qui a quasiment privé l’artiste de la vue. Transcender la souffrance d’être pour accéder à la liberté, telle pourrait être la définition de la création artistique. C’est en tout cas le chemin qu’a choisi Jérôme Delépine. »

Armelle Bajard, revue Cimaise

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Née à Pirmasens, vit à Düren (Allemagne). Formation à l’Académie des Beaux-Arts de Düren. A suivi plusieurs enseignements en dessin et en peinture à Cologne ainsi qu’à l’Académie Européenne des Beaux-Arts de Trèves. Expose régulièrement depuis 1997, principalement en Allemagne.

Pour Uschi Dettmeier, chaque tableau possède un rythme et une mélodie et chaque musique éveille en elle des émotions.

Depuis quelques années, elle a mis un nom sur cette particularité : il s’agit de la synesthésie. Ce mot vient du grec syn (union) et aesthesis (sensation) ; c’est une condition neurologique par laquelle deux ou plusieurs sens sont associés. Chez Uschi Dettmeier, nous avons affaire à une synesthésie couleur/oreille bidirectionnelle qui se manifeste dans ses tableaux.

Dans ses peintures, on ressent les affrontements intérieurs que vit l’artiste : ordre et désordre, gaîté et tristesse, révolte et soumission, calme et chaos. Peindre est pour elle un acte vital pour amener ses ennemis intérieurs sinon à faire la paix, au moins à se supporter.

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Né en 1960 à Concarneau. Vit et travaille à Quimper.

Loïc Frenay dit de sa peinture : « J’aime profondément ce qui est facile, rapide. C’est une peinture de l’instant, une peinture physique, faite pour agir et tester la qualité et la solidité d’un matériau. C’est en même temps une peinture du geste. Je n’aime pas l’idée de souffrir, de faire des efforts. Il faut que ça aille vite, que ça vienne immédiatement. Tout est contenu, synthétique, ramassé. Je peins dans une confusion de sentiments. Les peintures ne peuvent pas tout dire du cheminement de ce qui s’est passé ; seules des traces et quelques indices subsistent. C’est le geste qui est le patron de l’intellect. Les décisions sont rapides, elles m’échappent. C’est précisément dans ce moment de tension absolue, d’oubli, quand le geste n’est plus commandé que se situe le moment de création, d’abandon. »

« François Glineur est de cette espèce de peintre qui ne se satisfait pas d’une jolie image, il s’en méfierait plutôt, la jugeant, si elle est trop élégante et séduisante, un peu facile.

Même dans sa manière de procéder dans le recouvrement de la toile, il pose cette notion de dialectique, de composition où des termes s’affrontent, que cela soit la peinture ou la ligne serpentine du dessin, le fond ou la surface. Mêmes les personnages jouent l’imbrication dans une lutte corps à corps où personne ne gagne. Tout s’équilibre finalement dans le résultat. La tension est à ce prix et gouverne l’espace pictural. »

Marie-Claire Sellier

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Née dans une famille d’artistes, Sylvie Hétreau est sensible depuis toujours au langage des couleurs. D’abord coloriste, elle a travaillé en collaboration avec des architectes et des stylistes, puis a créé avec le groupe « Camaïeu » dont elle est une fondatrice, des collections de dessins textiles pour la maison. Parallèlement, elle poursuit des recherches plus personnelles, s’intéressant à tous les supports, toile et papier mais aussi tissus, bois etc. Elle se consacre actuellement à des collages en explorant les textures de différents papiers et la richesse des coloris du pastel sec.

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La technique picturale de Jean-Louis Magnet consiste à traiter chaque carré de papier comme s’il s’agissait d’un tableau indépendant. Ensuite, marouflé sur la toile, il devient fragment d’un ensemble plus vaste, qui lui-même peut être vu comme le fragment d’un autre ensemble plus vaste encore. Dans la série des « Hanami », hymne à la complexité du monde, à sa richesse et à son foisonnement, chacun des tableaux est à lire comme un fragment épars et infime d’un tableau infini. Chacun de ces fragments de papier peut aussi être vu comme le témoignage, la trace d’un moment de la journée, la lumière d’une saison. Cet aspect temporel est accentué par le contraste entre une facture gestuelle et la coupure nette entre chaque carré, montrant un geste stoppé en pleine course, au sommet de son énergie, et qui permet de créer un effet de moment suspendu. Enfin, le jeu qui s’opère d’un carré à l’autre avec les différents plans, jeu accentué parfois par l’absence de certains carrés, entraîne l’œil dans un espace complexe dans lequel le spectateur devient acteur.

Né le 11 avril 1967 à Cusset (Allier).

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« La base est depuis longtemps le gris, qui vire soit vers le bleu, soit vers l’ocre… Sans mélange ni contraste. Cette restriction constitue une contrainte créatrice et favorise la magie de ses affleurements satinés, filigranes et palimpsestes. Anita Malagré semble s’être vouée à la prolifération de la nuance. […] Strates minérales, géologiques et marines. Nervures de murailles schisteuses, comme celles de certaines forteresses. Paysage de grèves. Des gris ardoisés et orageux, ou bien virant aux tons de rouille, ombres de rouges et d’ocres, d’orangés ou de bruns. Certains gris sont clarifiés, parfois zébrés d’une touche éclair de lumière blanche. Il y a dans ces nuances des bleutés d’aube et de plages primordiales, de rougeoyantes nostalgies, et des étirements de crépuscules mal résignés à s’assombrir. Au cours de cette exploration patiente, méthodique et passionnée, de la richesse chromatique, Anita Malagré nous ouvre à des potentialités de différenciations à l’infini. Nous nous sentons à la fois lâchés dans l’espace et mystérieusement protégés. Profondeur de l’horizon, sans abîme ni effroi. Ce qui demeurerait d’une secrète angoisse latente se sait ultimement pacifié. »

Françoise Armengaud

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« Les toiles de Florence Nérisson captent le regard et vous saisissent à bras le corps. Une intimité se crée, immédiate et profonde, palpitante d’émotions. Encore mystérieuse et déjà familière, l’image est bouleversante d’intensité. La composition est solide, sans faille, déterminée par un tracé souple et vigoureux des formes. Et pourtant, l’essentiel reste caché. Ne pas tout dire, car la plénitude est ailleurs, une promesse vers laquelle l’Homme se tourne, attentif et confiant. »

Bérengère de Rivoire

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Né en 1973 à Saint-Brieuc. Etudes de photographie à Rennes. Depuis 2004, membre du collectif « Pa- ».

Dès l’adolescence, Pascal Oriac pratique la peinture et la sculpture en s’inspirant des œuvres de Dali et de Giacometti.

Aujourd’hui, il admire le travail de Pierre Soulages et de Zao Wou-Ki. Il utilise son propre matériel et élabore ses propres techniques. Ses gestes sont rythmés par des musiques contemporaines (Pierre Boulez, Steve Reich, John Cage et Murcof). Une grande capacité de concentration lui permet de déployer toute son énergie dans chaque œuvre. Ainsi, il accomplit sa peinture à la façon de la calligraphie chinoise, guidé par la recherche de la beauté visuelle et de l’émotion.

« Cinq ans », « 365 jours et nuits », « Saisons, zone tempérée », « Douze mois », « Le temps du vert » …

Au commencement, il y a le temps : le temps qui passe et que l'homme s'est employé à diviser en heures en jours en années ; le temps qui divise l'espace du tableau en une trame serrée dans laquelle s'inscrit le cycle des saisons matérialisées par la couleur, les renflements de la surface. Les tableaux de Lise Prévot nous fascinent car ils ne ressemblent à rien de ce que nous connaissons. Les renflements de la surface du tableau évoquent les périodes de gestation de la nature et nous renvoient à l’éternel féminin. Le vert devient une évidence et l’artiste pousse sa recherche jusqu’au bout de cette couleur. Devons-nous déflorer le sujet et parler de sa technique très personnelle ?

Elle utilise un support en polystyrène marouflé avec du papier journal et de la colle vinylique, construit ses formes à partir de journaux et de magazines, dessine chaque page à la pointe sèche qu’elle déchire ensuite par tension, la peint des deux côtés à l’acrylique mat. Ensuite, elle assemble les formes et utilise pinceaux et bombes pour appliquer la couleur finale.

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Quand il écrit sur la peinture, le peintre aime parler d’autre chose. Un beau matin de février, il est parti sur une petite île de l’Archipel des Glénan. Il y est resté assez longtemps pour commencer à voir. Il aime répéter aux vents cette phrase de Paul Eluard : « Voir, c’est comprendre ». En fait, ce séjour hivernal dura 23 jours. Durant ces 23 jours, il ne fit que regarder. Quand il fut rentré, il se mit à peindre ce qu’il n’avait pas vu.

Né en 1965 à Brest. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Nantes. Vit et travaille actuellement à Quimper.

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A exposé ses œuvres pour la première fois à l’âge de 16 ans. A soutenu une thèse en histoire de l’art en 1975. Travaille dans son atelier de Florence depuis 1989.

« Dans ses œuvres on perçoit une gestualité qui n’est jamais ample mais qui se manifeste dans la répétition du signe, dans l’écriture qui se concentre autour de petits gestes. Ceux-ci ne participent pas à la figure mais témoignent d’une maîtrise du dessin et d’une capacité à créer une vibration sur la surface de la toile qui devient ensuite la substance véritable du tableau. C’est la peinture qui donne un rythme aux mouvements browniens de la pensée, c’est elle qui matérialise sous forme de gestes et de couleurs l’aspiration vers l’infini et vers l’indéterminé qui sous-tend l’art de Giovanna Rasario. »

Valerio Dehò

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« L’artiste semble proposer de nouvelles chartes sémantiques, résultat d’une déstructuration et d’une reconstruction, avec le but de mettre dans l’œuvre de nouvelles possibilités signifiantes. L’imprévu est à la base du procédé adopté par l’artiste, soit par le procédé utilisé pour la réalisation, soit pour la perception de l’œuvre par le public. […] Nathan Sinai Rayman recherche dans son imaginaire, dans sa vie quotidienne et dans la culture populaire, les instruments, les images et les formes qui, par le langage pictural, offrent un certain imprévu, remettant ainsi en question  le côté solennel de l’œuvre d’art. »

Francesca Chiacchio, critique d’art

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Né le 28 juin 1956 à Rennes. Etudes aux Beaux-Arts de Rennes de 1976 à 1981 (peinture gravure). S’installe à Paris en 1982 où il enseigne les Arts Plastiques. Nombreuses expositions collectives depuis 1988 et personnelles depuis 1994. Vit à Montreuil depuis juillet 2000. Grand Prix AZART au Salon de Lyon en 2007

« Rien n’est simple dans la peinture de notre artiste. Tout remonte à la surface. Ses nus, ses personnages, ses paysages ont l’authenticité des fantasmes, et son écriture n’est pas celle que l’on peut décrypter, elle vient de plus loin. Probablement du plus profond de son être. Ses formes violentes sont souvent d’une beauté dévastatrice. Certains de ses paysages bousculent notre regard. Quand on croit avoir pénétré le secret d’une pareille imagination, on se rend vite compte qu’on a été dupe. »

Gérard Gamand, AZART

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« Peintre de l’aurore, et encore plus du crépuscule, Albert Woda exprime dans son œuvre la fin d’un cycle et la préparation du nouveau qui lui succède ; ce sont des images de l’instant suspendu. La véritable unité de temps et d’espace est donnée par la couleur et la lumière. Un nouveau genre pictural de paysage vient d’être créé dans lequel la lumière subordonne donc le temps et l’espace. »

Alain Camus

Albert Woda voit le jour à Nice le 19 novembre 1955. Il y apprend le dessin et la gravure à l'école municipale puis à l’École Nationale des Arts Décoratifs de la Villa Arson. Marié et père de trois enfants, il partage son temps entre la peinture, le dessin, la gravure, en particulier la manière noire, et la publication aux éditions de l'Eau - qu'il a créées - de textes d'amis qu'il a choisi d'illustrer.

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