Artistes

Vit en Bourgogne. Enseigne la céramique depuis 1970. Nombreuses expositions personnelles et collectives depuis 1969 en France, en Belgique et en Suisse. Auteure du livre « Au fil de l’argile ».

« Pour Colette Biquand la main parle le langage du temps. Au rythme de ses vibrations intérieures, C. Biquand a associé dans son œuvre le sens du primitif, des volumes, utilisé ou détourné le passé, joué de la métamorphose et de la sensualité, choisi dans son rapport à l’art la solitude de l’écriture ou la contemplation. Elle ne craint pas de plisser, rayer, empiler, de faire des empreintes sur la pâte crue, d’utiliser les craquelures et les signes. Elle donne à son mode d’expression le caractère ouvert plastique de la création contemporaine. […] Les traces du feu sont présence d’une absence. La volonté de l’artiste est mise en suspens, la création nous renvoie au cœur du symbolique, à la rencontre de l’inconscient ».

Danielle Cohen, critique d’art

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« Dans l'œuvre de Jean-Marc Brunet, l'alchimie des couleurs, des mots, des rythmes participe à une quête harmonique proche du jazz. Ce sont aussi des sonates. Quelques effusions de notations fugaces, que le peintre tente, en un corps à corps de maîtriser. Pour Octavio Paz : "toute œuvre d'art est une possibilité permanente de métamorphose, offerte à tous les hommes." L'espoir de toutes les possibilités, sur la toile, équivaut aux chemins de traverse que propose l'existence. La métamorphose récente dans l'œuvre de Jean-Marc Brunet trahit la transfiguration du ressenti. Le passage de l'abstraction "pure" à une réalité transfigurée. Elle l'a conduit vers ses lumières. Promesse de l'aube et d'une nature qui s'apprête à renaître, d'un orage qui évoque la colère, la violence du refus chère aux êtres qui traversent cette terre le poing serré, avec pour seul objectif de ne jamais se trahir.

C'est aussi la lumière de Tanger, d'ici ou d'ailleurs. Peu importe. Ses nœuds chromatiques, béances célestes, prennent place dans des vibrations colorées qui exercent des forces contraires. Elles sont invitation au voyage. Invitation baudelairienne à "aller aimer à loisir, aimer et mourir …vers ces soleils mouillés, ces ciels brouillés." Dans les cieux de Jean-Marc Brunet, nous sommes invités à nous réjouir de la beauté du monde, au cœur du temps. Le bonheur de vivre, de peindre, se fait substance picturale, la peinture "parle à l'âme en secret". »

Carla van der Rohe

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Liliane Camier travaille sur et avec la couleur. C’est le moteur de sa recherche. Poser la couleur sur la toile ouvre deux voies : l’expression de la matière ou de la forme, voire les deux ensemble. La geste picturale se retrouve dans l’abrupt des façades, l’à-pic des rocs dressés, l’étendue colorée, la matière lisse ou foisonnante. Sensations, sentiments, mémoire s’expriment, se révèlent dans le champ pictural où se joue l’interaction du descriptif et de la métaphore.

Sensuelles, joyeuses, les peintures de Liliane Camier révèlent une transformation, voire une libération de l’imaginaire.

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Fernando Cometto est un artiste peintre argentin multidisciplinaire : peinture, peinture, peinture … La peinture dans toute son envergure, son épaisseur, sa franchise. Des espaces remplis de matières, de couches et de récits ; des volumes construits de mots, de sens et d'histoires. Fernando rêve et entasse : de l'huile, de la gaze, de la cire d'abeille et encore de l'huile. Il mitraille ses toiles, gratte, griffe, contourne, dessine des apparences ludiques chargées de stigmates et noyées sous des couches épaisses de couleurs vives. Entrez dans ce cosmos d'émotions où le vide n'a pas sa place, où les directions sont diverses et l'imaginaire immense.

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Sylvain Corthay a de multiples talents. Comédien professionnel, écrivain et … dessinateur. Depuis toujours, il vit un crayon et un carnet à la main. Il est un amoureux du papier et il utilise différentes techniques. Jusqu’à présent, ce talent était gardé secret. Aujourd’hui, il ose l’exposer. Un axe important de son univers est la transformation, le passage ; est-ce un moyen de digérer les multiples personnages que son métier d’acteur le fait traverser ?

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« Ce sont des dessins qui chantent. Des dessins qui respirent, diffuseurs, propagateurs, en mouvement et en durée. Ce sont des dessins qui dansent, qui viennent de la danse, tracés, le plus souvent, dans le noir d'une salle de spectacle. […] Il semble que Costiou, le dessinateur dont je parle, ait cette faculté rare de capter directement cette électricité du mouvement. De l'oeil à la main qui dépose, trajet direct d'une invisibilité prenant forme. Traduction simultanée … C'est un jeu de mots facile, mais tant pis : corps et graphie. […] Costiou travaille pour l'éternité, et ses dessins sont un admirable fondu enchaîné chorégraphique du temps qui danse, un moyen qu'a précisément l'éternité de veiller sur

nous. »

Jean-Marc Adolphe, directeur de la revue Mouvement

« Tel le porteur de lanterne magique qui jadis allait de foire en foire captiver la foule des évocations tremblotantes de son théâtre de papier, Costiou court les spectacles collectifs : fêtes de la tradition, cirque ou music-hall, arts de la scène et de la rue. Les feuilles de ses carnets se peuplent en quelques instants de foules de silhouettes endiablées, et l'on retrouve en les contemplant la fascination du badaud devant lequel le montreur d'ombres, derrière l'écran opaque de son petit théâtre, faisait s'agiter des épopées. »

Philippe Le Stum, Conservateur du musée départemental Breton

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Née à Pirmasens, vit à Düren (Allemagne). Formation à l’Académie des Beaux-Arts de Düren. A suivi plusieurs enseignements en dessin et en peinture à Cologne ainsi qu’à l’Académie Européenne des Beaux-Arts de Trèves. Expose régulièrement depuis 1997, principalement en Allemagne.

Pour Uschi Dettmeier, chaque tableau possède un rythme et une mélodie et chaque musique éveille en elle des émotions.

Depuis quelques années, elle a mis un nom sur cette particularité : il s’agit de la synesthésie. Ce mot vient du grec syn (union) et aesthesis (sensation) ; c’est une condition neurologique par laquelle deux ou plusieurs sens sont associés. Chez Uschi Dettmeier, nous avons affaire à une synesthésie couleur/oreille bidirectionnelle qui se manifeste dans ses tableaux.

Dans ses peintures, on ressent les affrontements intérieurs que vit l’artiste : ordre et désordre, gaîté et tristesse, révolte et soumission, calme et chaos. Peindre est pour elle un acte vital pour amener ses ennemis intérieurs sinon à faire la paix, au moins à se supporter.

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Né en 1960 à Concarneau. Vit et travaille à Quimper.

Loïc Frenay dit de sa peinture : « J’aime profondément ce qui est facile, rapide. C’est une peinture de l’instant, une peinture physique, faite pour agir et tester la qualité et la solidité d’un matériau. C’est en même temps une peinture du geste. Je n’aime pas l’idée de souffrir, de faire des efforts. Il faut que ça aille vite, que ça vienne immédiatement. Tout est contenu, synthétique, ramassé. Je peins dans une confusion de sentiments. Les peintures ne peuvent pas tout dire du cheminement de ce qui s’est passé ; seules des traces et quelques indices subsistent. C’est le geste qui est le patron de l’intellect. Les décisions sont rapides, elles m’échappent. C’est précisément dans ce moment de tension absolue, d’oubli, quand le geste n’est plus commandé que se situe le moment de création, d’abandon. »

Après avoir été formé à l’Ecole Boulle en gravure et orfèvrerie, Fronza intègre les Beaux-Arts de Paris et décide de consacrer sa vie à la peinture. Il ne l’abandonnera que passagèrement pour la sculpture sur bois. Il répond à de nombreuses commandes publiques et privées, expose dans des salons, foires et galeries en France et à l’étranger.

Chercheur insatiable, il passe sa vie à créer, explorant des chemins nouveaux, sans jamais se répéter.

Ses peintures évoquent des mondes où cohabitent des élans à la fois poétiques et empreints d’une certaine violence qui nous font basculer dans une illusion de profondeur de champ. Il emprunte à la réalité des éléments qu’il transforme pour nous entraîner vers un monde intérieur et secret.

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Depuis 1992, Claire Galopin travaille l’argile. La forme pour la forme ne l’intéresse pas. C’est l’esprit de la forme et l’esprit de la matière qui lui importent. Son travail actuel est marqué par son dernier voyage en Côte d’Ivoire avec cette présence si forte des arbres dont on voit les racines. Elle tente de faire revivre ces entrelacs, ces nœuds, ces écorces dans les parois de ses sculptures en argile. La notion de contenant est présente dans ses œuvres pour l’idée de générosité qui en découle. Elle y crée des ouvertures pour laisser communiquer l’intérieur avec l’extérieur, attachée à ce va-et-vient entre donner et recevoir. La terre, qu’elle modèle de manière traditionnelle aux colombins ou à la plaque, lui permet de construire et de retrouver l’énergie vitale qui relie l’homme à la nature.

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« Le travail de Marie-Noëlle Leppens se concentre depuis quelques années sur l’esthétique et le symbolisme d’outils anciens sinon primitifs, qui ont accompagné l’homme au cours de son évolution technologique. C’est la beauté et la pureté formelle de ces objets, communs mais souvent inaperçus ou dédaignés car liés à l’artisanat, qui ont interpellé la céramiste. […]

Les sculptures créées par Marie-Noëlle Leppens, grès engobés de porcelaine, grès enfumés, grès blancs, grès et cristal, revisitent et transposent l’économie formelle, les matières des antiques instruments, dans un langage personnel et contemporain. »

Françoise-Hélène Brou (extrait in « Scènes Magazine » sept. 2009)

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Vanco Nikolov est un homme des bois qui parle le langage végétal. Les formes, les odeurs sont pour lui des objets de réflexion qui nourrissent son dialogue avec le monde. Les objets qu’il crée doivent revêtir un aspect ludique, tout en faisant naître une idée de chevauchée, visant à être à la fois ici et ailleurs.

Né en 1973 à Saint-Brieuc. Etudes de photographie à Rennes. Depuis 2004, membre du collectif « Pa- ».

Dès l’adolescence, Pascal Oriac pratique la peinture et la sculpture en s’inspirant des œuvres de Dali et de Giacometti.

Aujourd’hui, il admire le travail de Pierre Soulages et de Zao Wou-Ki. Il utilise son propre matériel et élabore ses propres techniques. Ses gestes sont rythmés par des musiques contemporaines (Pierre Boulez, Steve Reich, John Cage et Murcof). Une grande capacité de concentration lui permet de déployer toute son énergie dans chaque œuvre. Ainsi, il accomplit sa peinture à la façon de la calligraphie chinoise, guidé par la recherche de la beauté visuelle et de l’émotion.

« Cinq ans », « 365 jours et nuits », « Saisons, zone tempérée », « Douze mois », « Le temps du vert » …

Au commencement, il y a le temps : le temps qui passe et que l'homme s'est employé à diviser en heures en jours en années ; le temps qui divise l'espace du tableau en une trame serrée dans laquelle s'inscrit le cycle des saisons matérialisées par la couleur, les renflements de la surface. Les tableaux de Lise Prévot nous fascinent car ils ne ressemblent à rien de ce que nous connaissons. Les renflements de la surface du tableau évoquent les périodes de gestation de la nature et nous renvoient à l’éternel féminin. Le vert devient une évidence et l’artiste pousse sa recherche jusqu’au bout de cette couleur. Devons-nous déflorer le sujet et parler de sa technique très personnelle ?

Elle utilise un support en polystyrène marouflé avec du papier journal et de la colle vinylique, construit ses formes à partir de journaux et de magazines, dessine chaque page à la pointe sèche qu’elle déchire ensuite par tension, la peint des deux côtés à l’acrylique mat. Ensuite, elle assemble les formes et utilise pinceaux et bombes pour appliquer la couleur finale.

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Quand il écrit sur la peinture, le peintre aime parler d’autre chose. Un beau matin de février, il est parti sur une petite île de l’Archipel des Glénan. Il y est resté assez longtemps pour commencer à voir. Il aime répéter aux vents cette phrase de Paul Eluard : « Voir, c’est comprendre ». En fait, ce séjour hivernal dura 23 jours. Durant ces 23 jours, il ne fit que regarder. Quand il fut rentré, il se mit à peindre ce qu’il n’avait pas vu.

Né en 1965 à Brest. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Nantes. Vit et travaille actuellement à Quimper.

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« L’artiste semble proposer de nouvelles chartes sémantiques, résultat d’une déstructuration et d’une reconstruction, avec le but de mettre dans l’œuvre de nouvelles possibilités signifiantes. L’imprévu est à la base du procédé adopté par l’artiste, soit par le procédé utilisé pour la réalisation, soit pour la perception de l’œuvre par le public. […] Nathan Sinai Rayman recherche dans son imaginaire, dans sa vie quotidienne et dans la culture populaire, les instruments, les images et les formes qui, par le langage pictural, offrent un certain imprévu, remettant ainsi en question  le côté solennel de l’œuvre d’art. »

Francesca Chiacchio, critique d’art

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Après quatre années passées aux Beaux-Arts de Tournai (Belgique) auprès du sculpteur Emile Desmet, Corinne Simon travaille seule dans son atelier d’Englefontaine depuis 2003. Elle y réalise des pièces uniques en grès, façonnées à la plaque, aux colombins et parfois au tour. Les craquelures de ses créations apparaissent sous l’effet d’une manipulation particulière de la terre qui consiste à l’étirer tout en la desséchant. Les principales sources d’inspiration de Corinne Simon sont la nature, les autres cultures et tout simplement son quotidien. Ses pièces attirent le regard, font naître des émotions, elles instaurent un dialogue entre elles et avec le spectateur.

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Né en 1955 à Spézet, Chañ-Klaod Talek vit et travaille à Saint Hernin dans le Finistère. Il enseigne les arts plastiques et le chant traditionnel en Centre-Bretagne.

« D’abord, au long des sentiers humides entre champs et talus, dans des endroits secrets, cachés des Montagnes Noires, puis dans son atelier, Chañ-Klaod Talek entreprend le travail qui vise à métamorphoser les vibrations végétales en fibres musicales, à transmuter la matière en instruments-éléments, en instruments-fleurs, en instruments-oiseaux. »

C. Trémédet

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Né le 28 juin 1956 à Rennes. Etudes aux Beaux-Arts de Rennes de 1976 à 1981 (peinture gravure). S’installe à Paris en 1982 où il enseigne les Arts Plastiques. Nombreuses expositions collectives depuis 1988 et personnelles depuis 1994. Vit à Montreuil depuis juillet 2000. Grand Prix AZART au Salon de Lyon en 2007

« Rien n’est simple dans la peinture de notre artiste. Tout remonte à la surface. Ses nus, ses personnages, ses paysages ont l’authenticité des fantasmes, et son écriture n’est pas celle que l’on peut décrypter, elle vient de plus loin. Probablement du plus profond de son être. Ses formes violentes sont souvent d’une beauté dévastatrice. Certains de ses paysages bousculent notre regard. Quand on croit avoir pénétré le secret d’une pareille imagination, on se rend vite compte qu’on a été dupe. »

Gérard Gamand, AZART

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« C’est le volume qui intéresse Sandrine Tonnelier. Un volume contenu dans les lignes qu’il semble pousser de l’intérieur. Une fente de grotte, le puits d’un rond sont les seuls accès à ce lieu noir, ce vide interne où l’on pressent que quelque chose - mais quoi ? – respire, enfle, anime de son soupir le mouvement visible en surface. Impénétrable, l’ouverture laisse notre curiosité insatisfaite sur le seuil, obligeant l’imagination à s’y glisser secrètement. Au-dehors, c’est le soleil et la raison soulignés par les jeux d’or de graphismes géométriques. »

Pascale Nobécourt

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Petra Wolf, amoureuse de l’argile, a décidé de lui consacrer sa vie. Dès le lever, avant de prendre son petit-déjeuner, elle plonge ses mains dans la terre. C’est une communion avec la matière qui va lancer sa journée. Elle travaille de gros blocs de terre. Le résultat de ce travail spirituel et physique à la fois sont des objets habités par la lumière et le mouvement. Son imagination est débordante et elle a encore tellement d’idées qu’elle pense que 200 ans ne suffiront pas à réaliser tous ses projets.

Née en 1957. A son atelier de céramique depuis 1987.

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